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Vita di Michelangelo Buonarroti – Biografia e opere

uno dei geni del Rinascimento, Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, nacque il 6 marzo 1475 a Caprese (Caprese Michelangelo), paese dell'alta Val Tiberina oggi in provincia di Arezzo, che all'epoca faceva parte dei domini della Repubblica di Firenze, da Francesca di Neri di Miniato del Sera e Ludovico, di antica famiglia fiorentina. Di grande spessore morale, fu scultore, pittore, architetto e poeta ed esercitò un'influenza senza precedenti sullo sviluppo dell'arte occidentale.

Michelangelo Buonarroti nacque in una famiglia che, per diverse generazioni, appartenne a una piccola nobiltà fiorentina ma che aveva perso il suo patrimonio e il suo status al momento della nascita dell'artista. Suo padre aveva solo occasionali incarichi governativi e, all'epoca della nascita di Michelangelo, era l'amministratore del piccolo villaggio di Caprese. Pochi mesi dopo, però, la famiglia tornò alla sua stabile residenza fiorentina.

Per la sua famiglia, diventare artista era un gradino sociale discendente, e Michelangelo divenne apprendista relativamente tardi, a 13 anni. In ogni caso Michelangelo già, fin dalla tenera età, aveva mostrato una straordinaria propensione per il disegno, riuscendo a vincere le resistenze di suo padre, “uomo religioso e buono, e piuttosto di costumi antichi” (a quel tempo, a Firenze, la pittura era ancora considerata un'arte “meccanica” e indegna di un giovane di buona famiglia): nell'aprile 1488, a tredici anni entrò come apprendista nella bottega di Domenico Ghirlandaio era il pittore più importante della Firenze di quel tempo (dal quale apprese la tecnica dell'affresco).

Quest'ultimo stava lavorando agli affreschi del coro della Basilica di Santa Maria Novella: ma i primi autografi del Buonarroti (tre disegni a penna, databili al 1488-90, copie di Masaccio della Chiesa di Santa Maria Carmine e di Giotto del Peruzzi Cappella nella Basilica di Santa Croce) testimoniano che il fatto “che il bambino non si accontentasse della sapiente pittura del Ghirlandaio significa né più né meno il rifiuto della sensibilità sottile e nervosa dell'arte fiorentina della terza generazione del secolo, il fastidio per quello spirito di naturalismo episodico e di eleganza ornamentale che lo caratterizzava e la necessità di ritornare allo spirito grandioso e sintetico del primo Quattrocento” (Salvini). Dopo solo un anno lasciò la bottega del Ghirlandaio, avendo detto (al suo futuro biografo Condivi) che non aveva altro da imparare.

Dall'anno 1490, in cui Michelangelo comincia a frequentare la cerchia di Lorenzo il Magnifico (il quale, ammirandone le doti di scultore, lo tratta “non diversamente che da figlio”) fino al 1503, non rimangono opere pittoriche certamente autografe: nelle due tavole con la Madonna e la Deposizione di Cristo, attribuibili al 1510 e conservate alla National Gallery di Londra, la critica ha preferito vedere la mano di un artista ignoto, forse amico di Michelangelo, che operò sotto la sua ispirazione e collaborazione . All'interno della cerchia del “Magnifico”, Michelangelo ebbe accesso alla collezione d'arte medicea, dominata da frammenti dell'antica scultura romana. Lo scultore in bronzo Bertoldo di Giovanni, che si occupava della collezione, era il più vicino a un maestro scultore, ma Michelangelo non seguì il suo approccio. Tuttavia, una delle due opere in marmo che sopravvivono ai primi anni dell'artista è una variazione sulla composizione di un antico sarcofago romano. Bertoldo ne aveva realizzato uno simile in bronzo. Questa composizione è la Battaglia dei Centauri (c. 1492). L'azione e la potenza delle figure preannunciano gli interessi successivi dell'artista, molto più della Madonna delle Scale (1491 circa), delicato bassorilievo che riflette le mode recenti di scultori fiorentini come Desiderio da Settignano.

Firenze, in questo periodo, era considerata il maggior centro d'arte esistente, capace di produrre i migliori pittori e scultori d'Europa, e la competizione tra artisti era stimolante. La città però non offriva più grandi commissioni, e importanti artisti fiorentini, come Leonardo da Vinci e Andrea del Verrocchio, maestro di Leonardo, si erano trasferiti per avere migliori opportunità in altre città. I Medici furono rovesciati nel 1494 e, ancor prima della fine dei disordini politici, Michelangelo aveva lasciato Firenze per Bologna.

Nella città emiliana fu incaricato di succedere a uno scultore recentemente scomparso e di scolpire le ultime piccole figure necessarie per completare un grande progetto nella Basilica di San Domenico, la tomba e santuario di San Domenico, la cosiddetta Arca di San Domenico ( 1494-95). Il giovane Michelangelo contribuì con alcune piccole ma significative statue: quella di San Petronio, di San Procolo e l'angelo che regge il candelabro a destra. Le tre figure in marmo sono originali ed espressive. Forte dell'agilità immaginativa del suo predecessore, impose serietà alle sue immagini con una compattezza di forme che molto deve all'antichità classica e alla tradizione fiorentina da Giotto in poi. La sua scelta del marmo come mezzo riflette anche questa enfasi sulla serietà. La semplificazione delle masse che lo accompagnano contrasta con la tendenza allora più consueta a far coincidere il più possibile le rappresentazioni con la struttura e il dettaglio dei corpi degli umani. Naturalmente, mentre queste sono qualità costanti nell'arte di Michelangelo, spesso vengono temporaneamente abbandonate o modificate a causa di altri fattori, come le funzioni specifiche delle opere o le creazioni impegnative di altri artisti.

Il Bacco

The Bacchus
Il Bacco

È il caso della prima grande statua sopravvissuta di Michelangelo, il Bacco, realizzata a Roma nel 1496-97 dopo un breve ritorno a Firenze e ora al Museo del Bargello. (Anche un crocifisso ligneo di recente scoperta, attribuito da alcuni studiosi a Michelangelo e ora conservato nella Casa Buonarroti di Firenze, è stato proposto come antecedente del Bacco nel disegno da chi lo accredita come opera dell'artista). Il Bacco si basa su antiche figure nude romane come punto di partenza, ma è molto più mobile e complesso nel profilo. L'instabilità cosciente evoca il dio dionisiaco del vino, che si diverte con straordinario virtuosismo. Realizzato per un giardino, è anche unico tra le opere di Michelangelo nel chiedere l'osservazione da tutti i lati piuttosto che principalmente dal davanti.

La Pietà

The Pietà
La Pietà

Il Bacco portò subito alla commissione da parte del cardinale francese Jean de Bilhères, nel 1498, della Pietà, una delle opere più celebri della storia dell'arte, destinata alla Cappella di Santa Petronilla (la cappella dei re di Francia) nella Basilica di San Pietro. Il nome “Pietà” non si riferisce (come spesso si presume) a questa specifica opera ma a un comune tipo tradizionale di immagine devozionale più diffuso nel nord Europa, di cui è oggi l'esempio più famoso. Estratto da scene narrative del lamento dopo la morte di Cristo, il gruppo scultoreo concentrato dei due soggetti è stato progettato per evocare le preghiere pentite dello spettatore per i peccati che hanno richiesto la morte sacrificale di Cristo. Il problema più complesso da affrontare per l'artista è stato quello di estrarre due figure da un blocco di marmo, impresa insolita e difficilissima in tutte le epoche. Michelangelo trattò il gruppo come una massa densa e compatta di impatto imponente. Tuttavia, ha sottolineato i molti contrasti presenti – di maschio e femmina, verticale e orizzontale, vestito e nudo, morto e vivo – per chiarire le due componenti. Michelangelo, quando scolpì la Pietà, aveva solo 23 anni.

David di Michelangelo

La commissione rafforzò subito l'importanza dell'artista fiorentino istituita dalla Pietà nel David del 1501 per il duomo di Firenze. Per questa gigantesca statua, una commissione eccezionalmente grande a Firenze, Michelangelo riutilizzò un blocco che era rimasto incompiuto circa 40 anni prima. La modellazione era particolarmente vicina alle formule dell'antichità classica, con una geometria semplificata adatta alla grande scala ma con una leggera affermazione della vita organica nella sua asimmetria. La maestosa scultura fu la prima affermazione dell'ideale rinascimentale di perfetta umanità. Nonostante fosse originariamente destinato al contrafforte della cattedrale, la magnificenza dell'opera compiuta convinse i contemporanei di Michelangelo a installarlo in un luogo più in vista, determinato da una commissione di importanti artisti e cittadini. Decisero che il David sarebbe stato installato davanti all'ingresso del Palazzo dei Priori (oggi Palazzo Vecchio) come simbolo stesso della Repubblica Fiorentina.

David of Michelangelo
David di Michelangelo

Negli stessi anni (1501-04), Michelangelo realizzò diverse Madonne per abitazioni private, base del lavoro degli artisti dell'epoca. Questi includono una statuetta, due rilievi circolari simili a dipinti che suggeriscono vari livelli di profondità spaziale e l'unica tela da cavalletto dell'artista. Mentre la statua (Madonna col Bambino) è congelata e immobile, il dipinto (Sacra Famiglia o Tondo Doni) e uno dei rilievi (Madonna col Bambino e San Giovannino) sono pieni di movimento; mostrano braccia e gambe di figure intrecciate in azioni che implicano il movimento nel tempo. Le forme recano riferimenti simbolici alla futura morte di Cristo, comuni nelle immagini del Gesù Bambino dell'epoca; tradiscono anche il fascino dell'artista per l'opera di Leonardo. Michelangelo negava regolarmente che qualcuno lo avesse influenzato e le sue dichiarazioni erano generalmente accettate senza timore. Ma il ritorno di Leonardo a Firenze nel 1500 dopo quasi 20 anni fu entusiasmante per gli artisti più giovani, e gli studiosi della fine del XX secolo generalmente concordarono sul fatto che Michelangelo fosse tra le persone più colpite. Le opere di Leonardo furono le influenze esterne più potenti e durature per plasmare il suo lavoro. Poteva fondere la capacità dell'artista di mostrare processi momentanei con la sua per mostrare peso e forza senza perdere nessuno di questi. qualità. Le immagini risultanti di corpi massicci in azione vigorosa sono quelle creazioni speciali che costituiscono la maggior parte delle sue opere più ammirate.

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Il Tondo Doni

Risale alla fine del 1503 il cosiddetto Tondo Doni, il primo dipinto certo di Michelangelo. In questa tavola l'artista non ancora trentenne viene a sperimentare e consumare quelli che diventeranno i suoi formidabili archetipi concettuali e formali. La sostanza dilatata e sfuggente dell'immagine di Leonardo, che aveva conosciuto dal cartone di Sant'Anna esposto in città tre anni prima, diventa qui un contorno deciso, una “linea funzionale” (Longhi), definendo nello spazio un nodo di figure ora eminentemente scultoreo, perché, come afferma Carlo Giulio Argan, “…i concetti non hanno alcuna relazione con l'esperienza sensoriale”.

Il Tondo Doni era destinato a rinnovare profondamente la tradizione quattrocentesca fiorentina del “tondo”, superando lo spazio prospettico di Masaccio o Domenico Veneziano e quello ritmico di Botticelli (si pensi alla Madonna della melagrana) nell'affermazione di un universale spazio, “immaginando una gigantesca umanità che agisce, ma in moti raccolti e serrati e come inceppati dalla massa” (Roberto Longhi).

Anni centrali nella carriera di Michelangelo

Dopo il successo del David nel 1504, l'opera di Michelangelo consisteva quasi interamente in vasti progetti. Questi compiti ambiziosi attiravano l'artista e, allo stesso tempo, respingevano l'uso di assistenti, quindi la maggior parte di questi progetti era impraticabile e doveva essere completata. Infatti, negli ambienti artistici di Roma e Firenze, era stupefacente che Michelangelo non avesse creato la sua scuola o assistente bottega. Avere molti studenti significava la possibilità di eseguire molti lavori e guadagnare di più. A differenza del suo rivale Raffaello, l'artista fiorentino visse a volte di stenti, isolato e solitario. Ma nonostante questo, era conosciuto, riconosciuto e ammirato. Non solo aveva un temperamento chiuso, ma più il lavoro era impegnativo, più si illuminava e si tormentava per risolverlo e portarlo a compimento in una fiducia infinita e ripagata nel suo talento. Il suo immenso talento giustificava tutte le sue presunzioni.

Battaglia di Cascina (Battaglia di Cascina)

Dall'autunno del 1504 al marzo dell'anno successivo, Michelangelo fu impegnato in una grande impresa pittorica, mai portata a termine: l'affresco della Battaglia di Cascina per la Sala del Maggiore Consiglio di Palazzo della Signoria, celebrante la vittoria fiorentina nel 1364 contro l'esercito pisano comandato da John Hawkwood, il famoso Giovanni Acuto (il nome italiano gli fu attribuito da Niccolò Machiavelli). L'opera fu commissionata – come informa Giorgio Vasari – da “Piero Soderini, allora Gonfaloniere, per la gran virtù, che vide in Michelagnolo” e si limitò all'esecuzione del “cartone” (cioè il disegno a grandezza naturale per essere trasposto sulla parete prima di dipingerlo), oggi perduto e a noi noto attraverso una copia del 1542 di Aristotele da Sangallo, nonché da una serie di schizzi e disegni di mano di Michelangelo, che tende “all'espressione di assoluto terrore e la raffigurazione di una fuga altrettanto assoluta e totale: come sarà nel Diluvio, già qui il motivo lirico è la totale e disperata ansia di salvezza”. (Roberto Salvini).

L'affresco del Buonarroti doveva fare coppia con un altro appena iniziato da Leonardo da Vinci. Entrambi gli affreschi raffiguravano le vittorie militari della città, ma ognuno doveva anche essere una testimonianza delle tanto decantate abilità speciali degli artisti della città. Il progetto di Leonardo, la Battaglia di Anghiari, mostrava cavalli al galoppo; I soldati nudi di Michelangelo si fermano a nuotare e risalgono un fiume per rispondere a un allarme. Anche l'opera di Leonardo sopravvive solo in parziali bozzetti preparatori e copie.

Nel 1505 l'artista iniziò a lavorare a una serie di 12 apostoli in marmo per il duomo di Firenze, di cui solo uno, San Matteo, fu addirittura iniziato. Il suo movimento estatico mostra la piena fusione del fluido movimento organico di Leonardo con il potere monumentale di Michelangelo. Questa è anche la prima delle opere incompiute di Michelangelo che hanno affascinato gli osservatori successivi. Le sue figure sembrano suggerire che stiano lottando per uscire dalla pietra. Ciò implicherebbe che il loro stato incompleto fosse intenzionale, ma senza dubbio intendeva completare tutti gli statuti. Tuttavia, ha scritto un sonetto su quanto sia difficile per lo scultore portare la figura perfetta fuori dal blocco in cui è potenzialmente presente. Così, anche se le opere sono rimaste incompiute solo per mancanza di tempo e altri motivi esterni, la loro condizione riflette comunque l'intensa sensibilità dell'artista alle tensioni insite nel processo creativo.

L'appello di Papa Giulio II a Michelangelo affinché venisse a Roma pose fine sia ai progetti fiorentini, alla Battaglia di Cascina, sia alle sculture dei 12 apostoli per il Duomo di Firenze. Il papa cercava una tomba per la quale Michelangelo avrebbe scolpito 40 grandi statue. Le tombe recenti erano state sempre più grandi, comprese quelle di due papi dello scultore fiorentino Antonio Pollaiuolo, quelle dei Dogi di Venezia e una successivamente in costruzione per l'imperatore del Sacro Romano Impero Massimiliano I. Papa Giulio aveva un'immaginazione ambiziosa, parallela a quella di Michelangelo . Tuttavia, a causa di altri progetti, come il nuovo edificio di San Pietro e le sue campagne militari, fu presto turbato dal costo. Michelangelo credeva che Bramante, l'altrettanto prestigioso architetto di San Pietro, avesse influenzato il papa a tagliargli i fondi. Lasciò Roma, ma il papa fece pressioni sulle autorità cittadine di Firenze per rimandarlo indietro. Fu messo al lavoro su una colossale statua in bronzo del papa nella città bolognese appena conquistata (che i cittadini demolirono poco dopo quando scacciarono l'esercito pontificio) e poi sul progetto meno costoso di dipingere il soffitto della Cappella Sistina (1508-12).

Soffitto della Cappella Sistina

Tra il marzo 1505 e la fine del 1507, la “tragedia della sepoltura” dipana la vicenda della tormentata commissione del monumento funebre di Giulio II, destinato a segnare e ad oscurare profondamente l'animo dell'artista. Ma nel maggio 1508 firmò a Roma, con lo stesso Giulio II, il contratto per la decorazione della volta della Cappella Sistina: ampliando il programma iconografico previsto dal pontefice (“…mi diede un nuovo incarico che avrei la volta che volevo”, scriverà poi in una lettera) Michelangelo completò l'affresco in quattro anni di lavoro solitario e instancabile.

Nella sagoma della volta inserisce le maestose figure dei Profeti e delle Sibille, degli Ignudi e delle Storie della Genesi, dando vita, nei pennacchi, nei costoloni e nelle lunette con le Miracolose salvazioni d'Israele ad un rappresentazione epica dell'Umanità “ante legem” e “sub lege”. Tutta l'immensa ed emozionante struttura, divenuta il “simbolo” dell'arte rinascimentale, vive dell'identità neoplatonica tra il Bene e il Bello e riflette, nel suo sostrato speculativo, il concetto di irraggiamento divino nell'animo umano attraverso i diversi gradi di conoscenza (i Profeti e le Sibille) e dell'avvento della Rivelazione cristiana come meta finale della storia spirituale dell'uomo.

L'opera di Michelangelo rappresenta, secondo il Longhi, “…l'ultima grande espressione del disegno come linea funzionale vibrante in masse di raccolta plasticità”: di questa espressione, la volta Sistina costituisce l'esito più alto prima del Giudizio Universale, affrescata tra il 1536 e il 1541 su la parete dell'altare. Questa seconda, sconvolgente rappresentazione va oltre i limiti e la misura spaziale nonché l'iconografia tradizionale del tema: in essa, “…Michelangelo non può dipingere i beati che salgono al cielo volando senza peso ma solo corpi che scalano il cielo sorreggendosi con difficoltà sulle nuvole solide come rocce; e più volentieri che beati dipinge i dannati tra le grinfie dei diavoli” (Longhi). In una visione tanto alta quanto disperata, il Giudizio travolge, con gli ideali formali, anche le certezze morali e intellettuali del “Rinascimento”, segnandone la drammatica conclusione e al tempo stesso preparando, al di là di ogni garanzia dottrinale, il terreno per coscienza moderna.

Così i due affreschi, la Conversione di San Paolo e la Crocifissione di San Pietro, eseguiti tra il 1542 e il 1550 nella Cappella Paolina, vivono “in uno spazio senz'aria, pieno di una luce arida e quasi sabbiosa (…), rappresentano, insomma , il momento della lirica religiosa di Michelangelo, cioè il momento in cui la poesia, verbale o visiva che sia, gli appare come un esercizio spirituale, una vera e propria pratica ascetica. Tra poco Giordano Bruno chiamerà “contractio animi” (Argan).

Sistine Chapel ceiling
Soffitto della Cappella Sistina

Michelangelo era considerato il più grande artista vivente della sua epoca (e che epoca! Il Rinascimento) e da allora è entrato nell'Olimpo dei più grandi artisti di tutti i tempi. Un effetto collaterale della fama di Michelangelo durante la sua vita fu che la sua carriera era più ampiamente documentata di qualsiasi artista dell'epoca o precedente. È stato il primo artista occidentale la cui biografia è stata pubblicata mentre era ancora in vita. C'erano due biografie rivali. Il primo è il capitolo conclusivo della serie Vita degli artisti (1550) di un altro grande genio del Rinascimento, il pittore e architetto Giorgio Vasari. Era l'unico capitolo su un artista vivente e presentava esplicitamente le opere di Michelangelo come la perfezione culminante dell'arte, superando gli sforzi di tutti coloro che lo hanno preceduto. Nonostante tali lodi, Michelangelo non fu del tutto soddisfatto e fece scrivere al suo assistente Ascanio Condivi un breve libro a parte (1553); probabilmente sulla base di commenti fatti dall'artista stesso, questo racconto lo mostra come intendeva apparire.

Dopo la morte di Michelangelo, il Vasari, in una seconda edizione (1568), modificò e migliorò la sua biografia. Mentre gli studiosi hanno spesso preferito l'autorità del Condivi, la scrittura vivace del Vasari, l'importanza del suo libro e la sua frequente ristampa in molte lingue ne hanno fatto la base più comune per le idee popolari su Michelangelo e altri. artisti del Rinascimento. La fama di Michelangelo ha anche portato a conservare innumerevoli cimeli, tra cui centinaia di lettere, schizzi e poesie, ancora una volta più di ogni altro contemporaneo.

Gli ultimi vent'anni di vita di Michelangelo sono rivolti soprattutto a problemi architettonici e scultorei: alcuni disegni degli anni estremi hanno per tema la Crocifissione e la Deposizione; in esse ogni ricerca di finitezza o di bellezza formale è rassegnata o subordinata alla meditazione sul sacrificio di Cristo come catarsi e redenzione del dramma dell'uomo. Michelangelo Buonarroti muore a Roma il 18 febbraio 1564, dopo aver “... mille volte domandato a Dio quella birra / con la quale il nostro intelletto mortale/carriera sale al ciel”: la sua ricerca scontrosa, a volte sperimentale e la sua maestria cinquantennale costituiranno per intere generazioni di artisti, fino alle soglie del Settecento, un'eredità tanto problematica quanto ineludibile.

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